Museos recomendados:
El arquitecto suizo Mario Botta, hasta el momento, sólo ha construido dos edificios en Estados Unidos: el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), en San Francisco, California, y el Bechtler Museum of Modern Art, en Charlotte, Carolina del Norte; ambos edificios icónicos destacados del paisaje urbano de sus respectivas ciudades y dedicados al arte moderno y contemporáneo.
La colección del Bechtler Museum acoge obras de los movimientos y escuelas más importantes del siglo XX con una remarcable representación de artistas de después de la Segunda Guerra Mundial. Incluye obras de Miró, Picasso, Calder, Klee, Hepworth, Nicholson, Warhol, Tinguely, Ernst, Le Corbusier, Gicometti, Nikki de Saint Phalle, Giacometti, Leger, Marini, Chillida, Tàpies, etc.
La colección del SFMOMA no tiene comparación; es una de las más extensas del mundo. Incluye más de 33.000 obras de pintura, escultura, fotografía, arquitectura, diseño y arte multimedia. Todos los reconocidos artistas europeos y americanos del siglo XX están representados en ella.
Hans y Bessie Bechtler
El Bechtler Museum parece una trama suiza en Estados Unidos. Mario Botta, el arquitecto que diseñó el museo, es de Suiza, lo es Giacometti, uno de los artistas con más obra en el museo, y también Andreas Bechtler, que legó esta colección a la ciudad de Charlotte.
Hans y Bessie Bechtler
El Museo Bechtler es fruto de la colección privada de Hans y Bessie Bechtler y de su hijo Andreas, que ha legado su colección, tal como han hecho tantas otras familias coleccionistas de arte en Estados Unidos. Por un lado, las familias la legan para el disfrute del público, por otro lado, para una exención de impuestos. También porque en la mentalidad norteamericana, quien ha ganado mucho dinero tiene un deber implícito de devolver parte de su riqueza a la sociedad y contribuir a la educación, la sanidad, la beneficencia o la cultura de su país. Está muy mal visto quien no lo hace. Aporto algunos ejemplos: el legado de Isabella Gardner en el Fine Arts Museum de Boston; la Colección Frick, en Nueva York; el legado de las hermanas Cone en el Baltimore Museum of Art y el de Henry Walters en el Walters Museum, ambos en Baltimore; la colección Barnes, en Filadelfia; la colección de Harry L. Bradley en el Museo de Arte de Milwaukee; la colección Hirshhorn y la colección Phillips en Washington DC con sus propios museos, y un largo etc.
La colección de los Bechtler estaba colgada en las paredes de la casa de la familia y en sus fábricas antes de ser exhibida en las salas del museo. Leemos en la web del museo: “el Bechtler Museum of Modern Art no existiría sin la extraordinaria generosidad de su mecenas Andreas Bechtler. Inspirado por sus padres, Andreas ha puesto su colección a disposición de todos para que encuentren un consuelo o una reflexión, una inspiración o una sorpresa o por un estímulo y descubrimiento personal”.
A partir del año 1950, Hans Bechtler y su hermano Walter comenzaron a visitar el Kunsthaus Museum de Zúrich y a interesarse por el arte. Frecuentaban galerías locales, compraban y se hicieron amigos de los artistas. Hans y su esposa Bessie, se instalaron en Zúrich y ambos iniciaron la colección en el momento en que su hijo Andreas nació, en el año 1941. Su primera adquisición fue una bañista de Edgar Degas, pero rápidamente se centraron en artistas vivos. Estas primeras incursiones incursiones en el mundo del arte son el inicio del viaje de Hans y Bessie durante casi 70 años en los que la pareja acumuló una colección de una sólida e increíble diversidad. Pudieron hacer esto porque Hans se hizo rico con Pneumafil Corp., una empresa de calefacción y aire acondicionado que fundó con su hermano, Walter, en Suiza. Gran parte de su fortuna fue para la compra de obras de arte, las que ahora acoge el Bechtler Museum de Charlotte.
Hans y Bessie Betchler conocían personalmente muchos de los artistas cuya obra coleccionaban. Junto a sus hijos les visitaban en sus estudios y hablaban sobre sus procesos artísticos. Y Bessie, que era una buena golfista y pianista, organizaba conciertos para sus amigos artistas en su casa. Andreas señala: “Ellos sabían que siempre podían venir a nuestra casa y charlar. No era una fría compra de una obra de arte que iría colgada en la pared y ya está, sino que había verdadero interés por sus vidas y cómo podíamos ayudarles a montar una exposición o de que manera podíamos apoyarlos”.
Cuando los Bechtlers compraron una casa de verano en el sur de Suiza, se convirtieron en amigos de los miembros de una colonia de artistas que había, entre ellos Ben Nicholson, Julio Bissio, Italo Valenti, Giacometti, Mario Marini y de otros que se convertirían en pilares del arte moderno de mediados del siglo XX. Los Bechtler preferían obras que revelaran los métodos de trabajo del artista, por lo que adquirieron también dibujos, litografías, grabados, y otros trabajos preparatorios relacionados con su obra total.
Alberto Giacometti. Seated Woman (1956). Bechtler Museum. Charlotte (Estados Unidos)
Aparte de su labor como coleccionista, Hans estaba relacionado con el arte moderno; fue el presidente del comité del Museo de Arte Moderno de Zúrich (Kunsthaus) durante muchos años y ayudó a la creación de la Fundación Alberto Giacometti, que reunió una colección significativa de la obra de este artista en su tierra natal.
Los Bechtler incorporaron el arte en sus lugares de trabajo y en el hogar y trasladaron a sus hijos, Andreas y Danny, la admiración y respeto por el arte moderno. Así pues, el mecenas Andreas, creció alrededor de artistas y se convirtió él mismo en un artista, al mismo tiempo que empresario. En su juventud fue apadrinado por Ben Nicholson, Italo Valenti y Julius Bissio. Ha sido miembro de la junta del Mint Museum of Art (Charlotte) y ha creado un complejo de estudios de artistas llamado Little Italy Peninsula Arts Center, en un área de 300 acres en Mountain Lake Island (Carolina del Norte). Andreas Bechtler también tiene un doctorado en economía por la Universidad de Friburgo (Suiza).
En 1979 Andreas se trasladó a Charlotte para trabajar en una de las empresas de la familia, la Pneumafil Corp., que se vendió en 1998. Ya había elegido Charlotte para su residencia permanente. Cuando sus padres murieron heredó la mitad de su colección de arte que fue aumentándola con sus propias adquisiciones hasta que decidió donar la colección a la ciudad de Charlotte que construyó expresamente el edificio del museo para acogerla. Andreas Bechtler declaró el día de la apertura del museo en 2010: “Son más de 70 años coleccionado arte. Cuando mis padres se casaron, vivieron en un apartamento en Suiza y como experto hombre de negocios, mi padre tuvo un gran éxito. Lo primero que hizo fue poner algo en las paredes de casa, donde antes no había nada”.
Ahora, con los cuadros colgados en las paredes del museo y las esculturas sobre peanas, las echa de menos, pero … :”Es como los hijos. Ellos son fantásticos para ti, pero no te pertenecen, debes dejarlos ir. La colección ha encontrado un buen lugar en el bello edificio de Mario Botta y una buena ubicación que la ciudad ha hecho posible, por lo que no me puedo sentir mejor “.
Antoni Tàpies en Charlotte
El museo cuenta con un interesante programa de exposiciones temporales. El día que fuimos a Charlotte, fuimos a visitarlo y había una exposición del pintor catalán Antoni Tàpies, Texture and image. Sólo dos de las obras habían estado a la vista en el Bechtler. Las otras no habían sido vistas anteriormente por el público estadounidense. La mayoría de las obras procedían de la Fundación Antoni Tàpies, con sede en Barcelona y dispuestas en el Bechtler. Fue emocionante verlas en las salas del museo.
La exposición mostraba las obras en las que el artista trabaja principalmente un lenguaje abstracto e informal. Fue uno de los primeros en dotar de sentido la textura, la superficie y la aplicación de un espesor de materia a un soporte. Tàpies nació en Barcelona en 1923 y murió en 2012. Desde muy joven tuvo varios intereses en el ámbito de la cultura y desarrolló un gran interés por los libros, que tendrían un fuerte impacto en su futuro como artista. Esta exposición mostraba algunas de sus mejores ilustraciones para libros como El pa a la barca, poemas de Joan Brossa (1963) y para el que Tàpies realizó 25 litografías con collage; o Air, del poeta francés André du Bouchet (1971) y la serie Álbum de Saint Gallen (1965) en la que Tàpies combinó las palabras y las artes visuales. La serie fue impresa en la Erker-Press, en la ciudad suiza de St. Gallen que, tras la Segunda Guerra Mundial, se convirtió en un centro intelectual de escritores y de artistas cercanos al informalismo. Erker-Press fue un lugar para experimentar y explorar nuevas vías en las artes gráficas. Trabajaron en ella artistas como Hans Hartung, Robert Motherwell y Mark Tobey, uno de los mejores amigos de Hans y Bessie Bechtler.
Tras dejar la carrera de Derecho a mediados de los años 40 del siglo pasado, Tàpies se comprometió más plenamente con el arte y la pintura, y desarrolló el uso del collage y el grattage. Expuso por primera vez en 1947 en Barcelona y fue cofundador de la revista muy avanzada para la época Dau al Set. En la década de los 50, Tàpies comenzó a trabajar con nuevos materiales, que le llevaron a la creación de “pinturas matéricas” dentro del ámbito del informalismo. En estas obras, los materiales ya no se utilizaban para expresar una idea, sino que se convirtieron en la idea misma. Combinó materiales no convencionales como el polvo de mármol, la arena, un yeso muy sólido y desechos, creando un gran efectismo.
El texto sobre la exposición daba mucha importancia al Tàpies políticamente comprometido: “Llevó la abstracción a un nuevo nivel mediante la inclusión de temas iconográficos y simbólicos a través del uso de la escritura, signos, símbolos y referencias a las cuestiones políticas catalanas. Una representación de la cruz, el número 4 y la letra X y la T son los símbolos comunes en su obra. Hacia finales de los años 60 y principios de los 70, la obra de Tàpies era cada vez más política provocada por su oposición a la dictadura. El retorno de la democracia en España en 1975 permitió a Tàpies centrarse en otras temáticas y siempre mantuvo su enfoque hacia la búsqueda de la trascendencia de sus materiales y sus cualidades expresivas”. Hay que añadir la constante influencia de las filosofías orientales, especialmente el Zen y el taoísmo, profundamente estudiadas por el artista.
El trabajo del Tàpies escultor estaba representado por Campana petita, (1990), una campana fundida en bronce que incorpora una cruz, el símbolo recurrente en sus obras.
El edificio de Mario Botta
El primer museo de arte moderno de Charlotte se abrió al público en 2010 en el nuevo Wells Fargo Cultural Campus, en la parte alta de la ciudad. Diseñado por el arquitecto suizo Mario Botta, tiene una potencia escultórica que conecta con el arte que muestra en su interior.
Mario Botta. Exterior del Bechtler Museum. Charlotte (Estados Unidos)
Se trata de un edificio de cuatro plantas recubierto por un juego expresivo de ladrillo. El elemento clave del diseño es el atrio elevado con cristaleras que se extiende a través del núcleo del museo y difunde la luz natural en todo el edificio. El atrio abierto permite la interacción visual entre espacios. En el interior, Botta mantuvo una simplicidad rigurosa y elegante con una diversidad de materiales que incluyen acero, vidrio, terracota, granito negro, hormigón pulido y madera.
La característica dominante de la estructura es la cuarta planta, de diseño muy audaz, con un tejado hacia fuera del núcleo del edificio, en voladizo y con el apoyo de una columna abombada ascendente que proviene de la planta inferior.
Quién es Mario Botta
Mario Botta es considerado uno de los arquitectos más importantes del mundo con una carrera que abarca una gran variedad de edificios. Es reconocido mundialmente por su estilo más o menos minimalista con una gran expresividad y formas muy audaces y el uso de materiales tradicionales como el ladrillo y la piedra.
Mario Botta
Nació en 1943 en Mendrisio (Ticino, Suiza). Le gusta hablar de sus experiencias y de su arquitectura y se explica con mucha claridad, de ahí que creo que es mejor que sea él mismo que se exprese alo largo de este artículo basado en parte en una selección de entrevistas: “Al final de la escuela primaria, a los 15 años de edad, no quería continuar mis estudios. Ví la escuela como un mundo abstracto, distante de los problemas de la vida. Por lo tanto, decidí aprender un trabajo y trabajé como aprendiz de dibujante en un estudio de arquitectura de Lugano. Al cabo de unos meses, llegué a la convicción de que este trabajo sería mi pasión. Ver como dos líneas se transforman en una verdadera pared encendió mi entusiasmo y mi pasión por la arquitectura. A partir de ese momento, todo fue fácil, tenía un propósito. Al final de este aprendizaje, retomé mis estudios en el Istituto Universitario di Architettura di Venezia, la más sofisticada y menos técnica de las escuelas de arquitectura italianas”.
Mario Botta vivió en Venecia entre 1964 y 1969. Nunca ha olvidado la ciudad, está impregnada en su arquitectura, y durante estos años en la ciudad de los canales tuvo la suerte, unida a su perseverancia, de contactar con tres grandes figuras del mundo de la arquitectura: Le Corbusier, Louis Kahn y Carlo Scarpa. De su relación con Le Corbusier dijo: “No me podía permitir hacerlo mal. Era la historia de la arquitectura”. Cuando se conocieron él estaba en su primer año en la escuela de arquitectura. Trabajó durante seis meses en el taller del maestro en el proyecto de un nuevo hospital para Venecia. Desgraciadamente, Le Corbusier murió al principio de la ejecución del proyecto y el hospital no se construyó. Le Corbusier representa, en la formación temprana de Mario Botta, la mayor parte de sus impresiones sobre la arquitectura moderna, así como la noción de que la profesión de arquitecto puede ayudar a cambiar la sociedad.
En 1969 tuvo la oportunidad de conocer al arquitecto nacido en Estonia, pero ciudadano estadounidense, residente en Filadelfia, Louis Kahn, que se encontraba en Venecia para montar la exposición sobre su proyecto para el nuevo edificio del Congreso, en el Palazzo Ducale. Botta le ayudó en el montaje de la exposición y en la realización de los planos del edificio. El problema era que no se entendían muy bien. Kahn no hablaba italiano y Botta, en aquellos años, no hablaba inglés, de modo que todas las conversaciones se produjeron a través de un intérprete.
Sin embargo, la brillantez de Kahn, su capacidad para destilar cualquier cuestión arquitectónica a su esencia, para definir claramente el propósito y la profundidad de un problema, le causó tal impacto que le ha quedado grabado para siempre. Botta cree que encontró la respuesta a la famosa pregunta de Kahn: “What does the building want to be?”. La respuesta de Botta es: “It is not what you want, it is what you sense in the order of things which tells you what to design”.
Kahn fue su mayor influencia. Explica el porqué: “La luz, el silencio y la memoria que introduce como elementos estructurales y esenciales de la arquitectura (…). La arquitectura más allá de las imágenes fantásticas y como una vocación mesiánica, te re-propone cada día un sistema de vida, una profesión, un trabajo, un oficio (…) “.
Carlo Scarpa fue su profesor y director de tesis. Le mostró las “innovaciones de la arquitectura moderna y como fueron interpretadas por el movimiento neo-racionalista”. Scarpa transmitió a su alumno su intenso amor por los materiales, por su composición y orden y las diferencias expresivas. La sensibilidad de Scarpa hacia la estructura de los materiales y su preocupación por el detalle tratado de manera inteligente aportó a Mario Botta una dirección filosófica y una apreciación incluso para los materiales más comunes; desde entonces este hecho ha sido una característica de toda su obra arquitectónica.
(Recomiendo visita a la tienda Olivetti, de Scarpa, en la Piazza San Marcos de Venecia. Para el añorado amigo arquitecto Jordi Sarri, que me hizo entender esta tienda hace ya muchos años con aquel entusiasmo encomiable. Gracias Jordi! Por todo lo que me enseñaste sobre arquitectura. Miss you!).
Mario Botta abrazó estas influencias tempranas, pero no se atascó, experimentó con sus métodos y, finalmente, estableció su propio enfoque arquitectónico: “La arquitectura es para mí un sistema para vivir, para ver y evaluar lo que está a mi alrededor. Cada tema, cada ocasión de trabajo se convierte en una nueva y apasionante aventura, un encuentro fantástica y la confrontación en la lucha por la transformación de la realidad”.
Tenía sólo 27 años cuando abrió su primer estudio en Lugano. Desde entonces, además de su práctica como arquitecto, ha llevado a cabo una intensa actividad científica y didáctica a nivel internacional. Ha sido profesor visitante en la Ecole Polytechnic Federale en Lausana, Suiza. En 1982, fue nombrado miembro de la Comisión Federale Svizzera delle Belle Arti, y en 1983, se convirtió en miembro honorario del Bund Deutscher Architeckten (BDA). El American Institute of Architects (AIA) le hizo miembro honorario en 1984. Ideó y fundó la Academia de Arquitectura en Mendrisio (activa desde 1996) donde nació y aún vive, enseña y trabaja. Su estudio es muy modesto: “No tengo un numeroso equipo de trabajo, sólo unas 25 personas. A cada uno le asigno bocetos que yo continuamente corrijo. La nuestra es una profesión de correcciones constantes, lo contrario de los grandes estudios internacionales, en el que todo es esquemático y definido. Cada vez nos enfrentamos a diferentes proyectos y problemas “.
En la fase de diseño de un edificio sigue unos principios: “Nunca diseño con formas puras, sino con formas del espacio. Comienzo a partir de una idea topográfica, de orientación, tratar de comprender cómo la luz atrae a los límites espaciales. La luz que tengo en la mente es la que genera el espacio: debe darme los ejes de referencia, los puntos concéntricos para la creación. La siguiente fase es la búsqueda de un orden. En el complejo proceso de diseño (síntesis de elementos funcionales y estáticos, de coordenadas, fronteras, etc.), la organización de este organigrama de espacios debe encontrar un orden. Y no estoy tranquilo hasta que no lo consigo “.
Mario Botta está muy interesado en la historia y en el estudio del hábitat del hombre a través del tiempo. Las tradiciones culturales cuentan mucho en sus proyectos. Sus formas se derivan, pero no copian “del medio ambiente como un testimonio de la historia y la memoria”. Añade: “La arquitectura debe actuar en el territorio de la memoria, ya que es en este territorio que crece la ciudad. Como hombres y ciudadanos sentimos la necesidad de vivir en la historia, ya que es una parte inalienable de nosotros mismos. La velocidad con la que experimentamos eventos es directamente proporcional a su caída en el olvido. Cuanto más corremos, más olvidamos “. Un ejemplo de esta idea es un complejo comercial y de residencia, De Nieuewe Poort, (que significa puerta nueva) y que ha construido en Deventer, Holanda, que hace la función de una nueva entrada a la ciudad antigua. Botta se inspiró en los edificios de la vieja ciudad medieval y en unos almacenes cercanos que tienen más de cien años de antigüedad.
Un reportaje sobre Botta realizado por la revista neoyorquina The Ground señala que para Botta “la simplicidad es la clave para obtener un impacto arquitectónico al tiempo que sus formas geométricas desafían las líneas limpias del modernismo convencional, unas formas que transmiten la fuerza a través del minimalismo, la monumentalidad y la falta general de ornamentación “. Botta lo confirma: “Creo que cuanto más simple es un espacio, más fuerte es”. Sin embargo, creo que en algunas obras su diseño alcanza un alto grado de sofisticación.
Mario Botta. Iglesia de San Giovanni Battista (1992). Mogno (Suiza)
La revista neoyorkina The Ground, destaca la fuerza geométrica de la iglesia de San Juan Bautista (1992), en Mogno (Suiza): “Su exterior, diseñado en mármol y granito, consiste en una forma cilíndrica cortada en rodaja y en diagonal a través del centro. En el interior, las líneas sin fin alternan en blanco y negro, creando un modelo de tablero de ajedrez y una ilusión óptica de espacio cada vez menor. La luz se cuela por el techo, e ilumina un crucifijo situado encima del altar. Situada en plena naturaleza y construida en un solar donde había un edificio religioso que fue destruido por un alud, Botta quería lograr una conexión entre el significativo paisaje y su nuevo edificio “. Ahora es el arquitecto quien lo explica: “El enfoque de este proyecto era el fruto de una meditación sobre la relación entre el edificio, como una expresión del trabajo diario del hombre y su presencia en la tierra, y el poder ilimitado de la naturaleza. ”
Cathédrale de la Réssurrection (1995). Évry (Francia)
La catedral de Evry (1995), en Francia, es uno de sus trabajos más notables. Tiene la marca de la casa: un cilindro truncado o cortado diagonalmente en rodaja y obra de ladrillo. Botta dice que se inspiró en los edificios bizantinos y románicos del norte de Italia por la sobriedad de las formas y el uso de materiales primarios.
Cathédrale de la Réssurrection (1995). Évry (Francia)
Esta inspiración bizantina se encuentra en la forma elegida, el círculo, que es altamente simbólica porque fue la primera forma de vida humana, la forma de agrupación espontánea de las asambleas y el símbolo de la perfección divina; el arquitecto, repitiendo las palabras de San Agustín, aclama: “Dios es como un círculo cuya circunferencia está en todas partes y en cualquier lugar del centro”. Otro de los elementos habituales en la obra de Mario Botta es el uso del ladrillo, en este caso de Toulouse, escogido por la comunión de los cuatro elementos: está hecho de tierra y agua, se seca al aire y al fuego del horno.
San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA)
Mario Botta ha conseguido reconocimiento internacional y premios importantes, como por ejemplo, el Premio al Mérito a la Excelencia en Diseño otorgado por la AIA (American Institute of Architects), por el Museo de Arte Moderno de San Francisco. Cuando Mario Botta fue designado para diseñar una nueva sede para este museo en 1988 su objetivo era crear un edificio emblemático con “fuerza icónica”.
Mario Botta. San Francisco Museum of Modern Art (1995). San Francisco (Estados Unidos)
Que significa icónico para Botta ?: “El poder icónico de un signo o un símbolo se crea con el tiempo: es imagen, materia, color, profundidad, pero especialmente memoria. Una imagen icónica no está ligada a un tiempo, no es efímera. Lo que dura en el tiempo tiene un valor que no se puede consumir inmediatamente. Lo que se consume cae en el olvido, mientras que necesitamos memoria. Pensamos en grandes talentos creativos. Donde estarían Giacometti o Morandi si no hubieran tenido un valor icónico duradero? Muchos piensan que si eres creativo estás pensando en el futuro. Pero no es cierto, estás pensando en un gran pasado”.
El museo se ubicaba en los pisos superiores del San Francisco War Memorial and Performing Arts Center desde 1935, un edificio de estilo Beaux-Arts. Cuando se seleccionó a Botta, se quería, pues, un nuevo edificio que se distinguiera. San Francisco tenía que tener una imagen icónica más allá de su famoso puente y del barrio Flower power de Haight-Ashbury (ahora lleno de tiendas de souvenirs hippies). El arquitecto suizo venció con su proyecto a varios arquitectos estrella como Frank Ghery, Tadao Ando y Charles Moore. Fue el primer edificio de Botta en EEUU que se construiría en el corazón de una ciudad muy importante. “El edificio tiene un gran significado para mí”, declaró Botta en la revista londinense de arquitectura y diseño Dezeen. “El arquitecto aspira a construir en una ciudad como el artista aspira a exponer sus obras en un museo.”
El proyecto del SFMOMA despertaba altas expectativas. Era necesario establecer una identidad visual para un museo que no tenía ninguna, y se tenía que levantar en el barrio de South of Market, entonces una zona depauperada caracterizada por edificios en mal estado. Pero situado al lado de una zona donde se iniciaba un auge constructivo, un distrito financiero ya salpicado de rascacielos de estilo internacional de vidrio y acero. Su solución fue crear un edificio de formas sencillas y geometría clara y una masa sólida, una pieza de arquitectura que se individualiza del “lenguaje abstracto de los edificios del centro”, los rascacielos más convencionales.
Mario Botta. San Francisco Museum of Modern Art (1995). San Francisco (Estados Unidos)
El museo se inauguró en 1995 y tiene cinco plantas. En cuanto a la elevación que da a la calle, los volúmenes ortogonales trepan hacia arriba. Desde el centro emerge una torreta circular envuelta en bandas de cebra de piedra blanca y negro. Es un cilindro truncado, la parte superior se corta en rodaja en diagonal (marca Botta), y revestido de vidrio. El resultado es un óculo gigante que aporta luz natural en el interior, al tiempo que hace un gesto hacia la ciudad. Botta describe el óculo como “una especie de ojo” que pone el interior del edificio en contacto con el aire libre.
En el interior, las claraboyas en diagonal dirigen la luz en el atrio a gran escala. Las salas, la biblioteca, la cafetería / restaurante y el auditorio y se organizan alrededor del atrio, que actúa como una animada plaza de estilo europeo. Botta ha hecho uso de la madera y el granito, dando al espacio un ambiente cálido y ecléctico.
El SFMOMA también ha tenido criticas. Blair Kamin, crítico del Chicago Tribune, manifestó que el “diseño es sorprendentemente distante, es más una fortaleza intimidante que el palacio de un pueblo con encanto”. Y la gente de San Francisco dicen que parece una tarta de boda.
Sin embargo, el edificio de Botta se convirtió en una contribución importante al paisaje urbano de San Francisco y ahora es un lugar agradable. Según Deezer: “Hoy en día, es como un ancla arquitectónica en un barrio vibrante, ahora rodeado de edificios de gran altura. El barrio ha mejorado mucho. Los simples y grandes elementos -el ladrillo, los trazos de granito, la rebanada del óculo – funcionan bien con las torres que le rodean”.
Reflexiones
Mario Botta. Leeum Samsung Museum of Art (2004). Seul. Corea del Sur
A Botta le gusta hablar de museos y ha construido más de uno (ver imágenes): “A partir de los años 60 del siglo XX y hasta la actualidad hemos construido más museos que en toda la historia de la humanidad, y si por un lado se trata de un signo de nuestra fragilidad, por otro, los museos son lugares de confrontación, lugares de gran espiritualidad. Visitamos un museo de arte contemporáneo para tener una lectura del mundo, para ver cómo varias generaciones de artistas interpretan las contradicciones del mundo. Creo que el hombre tiene necesidad de espiritualidad. Por lo tanto, debe ser la ambición de un arquitecto poder diseñar estos espacios. Si pudiera elegir entre un museo y un supermercado sin ninguna duda escojo el museo como un lugar dedicado al silencio y la oración, y hay que respetarlo”.
En cuanto a su diseño del nuevo edificio sede de la Campari, en San Giovanni Sesto (ver imagen), en vez de menospreciar el viejo edificio o derribarlo, lo que genialmente Botta ha hecho es ponerlo bajo el ala de la nueva e imponente construcción para protegerlo. Es un ejemplo de que construir en Europa no es lo mismo que construir en Estados Unidos; Botta, como europeo, lo ha entendido muy bien: “En Europa, construimos y reconstruimos partes de las ciudades que pertenecen a un contexto arquitectónico e histórico con raíces profundas: debemos tener esto en cuenta. Mientras que en Estados Unidos, no hay problema en demoler y construir de cero y si hay una reconstrucción se produce sin tener en cuenta el contexto y el pasado. Esta es la gran diferencia entre nuestra cultura, más erudita, más estratificada en comparación con el modelo americano, pero también se podría decir del modelo asiático que, a veces es incluso peor “(Hoy en día, el 80% del trabajo de Botta es en Asia).
Efectivamente, esto provoca que en Estados Unidos haya una gran libertad de formas y tipologías arquitectónicas y que los downtown de las grandes ciudades se renueven y reinventen continuamente. Y otra razón más prosaica: la cantidad de espacio virgen disponible (excepto Manhattan) aún hoy para construir, sin restricción, sin puntos de referencia histórica y tendiendo a una arquitectura comercial y de uso, sin valores simbólicos. Esto puede chocar a un europeo / a amante de las viejas piedras y respetuoso con todo vestigio histórico, que se pasea por la historia como si fuera su casa porque vive en ciudades donde todavía hay en pie templos y teatros romanos, iglesias y murallas medievales y percibe de manera natural aquel espíritu del todo pasa, nosotros partiremos, pero los edificios antiguos permanecerán. Este europeo / a se siente a la vez atraído y fascinado, pero perdido en algunos downtown de ciudades norteamericanas y más aún en estas inmensas periferias casi todas parecidas, de urbanismo disperso donde la iglesia más antigua no tiene más de 100 años y lo más antiguo puede ser un warehouse, un almacén que será derribado así que encuentre un nuevo inversor. Los edificios historicistas en los dos últimos siglos que se mantienen en las grandes ciudades, son más vistos como un elemento de prestigio que como un elemento procedente de una tradición arquitectónica y urbanística europea profundamente arraigada y casi intocable. Los magníficos edificios art decó de la primera mitad del siglo XX serian los más vistos como genuinamente norteamericanos, así como los rascacielos. De todos modos, en última instancia siempre depende de la calidad de lo que se construya. Y en EEUU en materia de rascacielos evidentemente son únicos.
La arquitectura de Botta está absolutamente arraigada en las viejas construcciones europeas, en la evolución arquitectónica que va desde los zigurats a Roma, de los castillos e iglesias de la Edad Media a los palacios e iglesias del Renacimiento. Es un arquitecto de cultura italiana, me atrevería a decir específicamente veneciana, se formó en la ciudad de los canales. Lo lleva impregnado, de ahí que cuando miro o estudio algunas de las obras de Botta recuerdo la pequeña iglesia renacentista veneciana Dei Miracoli, de Pietro Lombardo, llamada “la iglesia de mármol”, con sus refinados mármoles, sus elementos simbólicos, su pura y limpia geometría, las formas circulares, los óculos o rosetones y esta manera delicada de presentar y combinar los materiales constructivos y que Botta interpreta con más audacia.
Sin embargo, el arquitecto tiene la imaginación e inteligencia suficiente para no caer nunca en el historicismo, porque su arquitectura actúa en el “terreno de la memoria”, como suele decir, no en el de la historia. Entonces, la memoria se configura en estos edificios cálidos, compactos, construidos con los materiales de siempre, granito, mármol y ladrillo, que sabe que envejecen muy bien y por medio de un lenguaje evidentemente contemporáneo. Así pues, los suyos son edificios que se aferran a la tierra, tan potentes e irrompibles que convergen con las formas de los peñascos y el macizo de las montañas suizas, su país natal. Parece que nada los pueda destruir.
Arquitecto postmoderno
Botta normalmente aparece entre los mejores arquitectos del estilo llamado postmoderno, aunque su trabajo puede ser difícil de clasificar. Dezeen ofrece una interesante discusión sobre el tema. El crítico de arquitectura estadounidense, Paul Golderberger, escribió: “Su trabajo no invita a la clasificación fácil; sin duda es moderno, pero evita la astucia y la elegancia de tanta modernidad tardía. Su material es de mampostería, no de vidrio o acero, y lo utiliza para crear edificios firmes, de una geometría segura”.
Kyobo Life Insurances Co (2003). Seul (Corea del Sur)
El crítico británico Charles Jencks, en su importante libro de 1980 The Language of Postmodern Architecture, puso a Botta como principal exponente del “clasicismo posmoderno”. Mitchell Schwarzer, historiador de la arquitectura y profesor del California College of the Arts cree que mientras que los edificios modernistas tenían una calidad sin peso, los edificios de Botta son muy pesados y que esta solidez es una reacción contra el modernismo.
Botta prefiere creer que es post-clásico: “en el sentido de que yo creo que la arquitectura no debe relacionarse con estilos”.
Mario Botta. Església de San Volto (2006). Turín (Italia)
Y en cuanto a sus formas circulares y cilindros abiertos hay que recurrir al Panteón de Roma. El edificio del emperador Adriano ha estado siempre presente en la arquitectura Botta. Lo conoce bien: “Cuando entro en el Panteón de Roma todo lo veo con un primer vistazo e inmediatamente puedo reconstruir lo que hay detrás de mí. La forma mágica del círculo permite al cerebro ver un detalle y de forma automática imaginar todo lo que hay detrás. La arquitectura, hoy, a menudo abdica de una de sus funciones primordiales: orientarnos en el espacio. Martin Heidegger dice que el hombre puede vivir sólo cuando tiene la posibilidad de orientarse dentro de un espacio. Creo que se trata de una bella definición. De lo contrario estamos abrumados. Necesitamos puntos de referencia, para conocer el centro y el límite de un lugar, dos condiciones extraordinarias que están siendo olvidadas. Nuestras ciudades están en crisis porque han perdido estas constantes que han existido durante cinco mil años “.
Àngels Ferrer Ballester
angelsferrerb 